Adrián Pereda Vidal

Por: Ana Gisel López Hernández

Introducción: Artista visual multidisciplinario ubicado en Mexicali, Baja California, docente en la Universidad Autónoma de Baja California. Su práctica se desarrolla en la intersección entre la gráfica, lo sonoro y la instalación. Su trabajo se caracteriza por una exploración/ documentación lúdica y crítica de la forma, el color y la materia, así como descomponer palabras para interpretarlas, partiendo de objetos cotidianos y fragmentos del espacio para construir narrativas visuales abstractas y sugerentes. Con abordajes conceptuales y meticulosos se construyen e interpretan estos espacios e intenciones haciendo uso del sonido y sus posibilidades sobre la gráfica e instalación para crear estas figuras distorsionadas y universos oníricos que saltan a un plano tangible, nos introduce a participar y formar parte de esto mismo.

Recientemente presentó su proyecto "Sonic Meditations: Synthesizing the Supernatural" en MXCL BNL LAB, ubicada en Whittier, California y su proyecto "Faro Sonoro", pieza de arte sonoro realizado con apoyo del sistema de apoyos a la creación y proyectos culturales a través del PECDA Baja California, emisión 2024, presentada en el taller Cero Cero.

—Antes de que su práctica tuviera un camino, una clasificación más concreta, hacía un abordaje más profesional, ¿Cuál considera fueron sus primeras acciones, mirando en retrospectiva, que ahora identifica como el inicio de sus procesos creativos o despertares que contribuyeron a su trabajo actual? No lo sé, cómo quizás escuchar cierta música, coleccionar objetos, tomar fotografías, intereses en ciertos temas o sensibilidades tempranas, alguna particularidad, algún inicio.

Adrián Pereda: Bueno, de chico dibujaba mucho, creo que mi primera formación así como de... estar estudiando algo por seis años, así, fue estudiar batería. O sea, yo estudié batería de los 10 a los 16 años. Y eso, creo que esa fue mi formación más fuerte, como en ese aspecto. Porque había estado en cursos culturales, cursos de pintura, cosas así. A mí me gustaba mucho desde muy pequeño escuchar música, comprar cassettes y luego comprar CDs. Cómo tener música. Digo, aparte en esos tiempos no había streaming, ¿no? Y luego después... Eso quizá fue como a los siete años o algo así. Ya... más adelante me acuerdo que tuve un estéreo que podías grabar en cassetes en blanco lo que estaba escuchando en la radio o en el CD, ¿no? Entonces fue cuando empezaba también a hacer esto de cómo escuchar canciones del radio que me gustaban y pescarlas y grabarlas. Y entonces como que esto de estar grabando y eso, pues también cuando tocaba la batería, como que cuando estudié ... En la escuela en la que yo estaba, cada año tenías que componer una canción y presentarla en un teatro. Entonces era como que siempre tuve en mi formación esta parte de no solamente tocar covers o no solamente copiar cosas, sino proponer algo. Y creo que hasta la fecha todavía eso sigue.

—Hablando justo de esa parte, estudié un poco de su portafolio, notó que su proceso también a menudo comienza desde una documentación como de cosas, ¿no? Tanto de espacios, sonidos, objetos, palabras, diagramas también. Entonces, ¿cómo podría describir cómo es esta práctica tanto física como mental de este acto de documentar? Como un archivo, que posteriormente concluye en una pieza.

Adrián Pereda: Me dí cuenta que lo que quería hacer requería como que poner varios objetos, o sea, sí hacer la obra, pero no tanto como solamente la obra de pintura, o el video, o la pieza, sino cómo hacer una suerte de ensamblaje, o poner todas esas cosas juntas, ¿no? Entonces, eso fue lo que me llevó a profundizar en la instalación y entender cómo el espacio como un lugar donde puedo hacer que varias cosas sucedan, quizá con ciertas cualidades, no solamente escenográficas, sino aparte como que pues sí, de arte-instalación, pero específicamente entendiendo que el formato de la arte-instalación me permitía poner varias ideas que pudieran parecer dispersas, que tenía, pero que iban alrededor del mismo tema. Y eso, sí, cuando volteó atrás quizá no trabajo tanto en piezas, sino más bien como en un concepto que trato de desarrollar. Varias cosas alrededor de eso entonces la documentación también me ayudaba como para poder presentar ciertas cosas que pudieran ser de carácter efímero o que solo están sucediendo en el espacio.

—De cómo es esta práctica tanto física como mental, siento que comienza con un proceso mental, ¿no? Como tener ciertos intereses en algo, que percibimos, abordar algo y de ahí ya se hacen estas manifestaciones físicas de documentar, no sé, quizás tomé fotografías, documenté cierto espacio, grabé ciertos sonidos en cierto lugar y luego se incorporaron en una pieza final.

Adrián Pereda: Sí, fíjate que ahorita, justo venía caminando y ví un letrero, como un flyer que estaba pegado y decía, buscamos guitarrista o algo para banda metalcore o algo así. Pero creo que eso, esa parte de como que querer tener... una idea que se conforma ya a un género, quizá por necesidades de la vida yo me fuí yendo más por pues por trabajar más bien con lo que tenía en ese momento ¿no? pues a veces digo esta idea de decir bueno ¿qué puedo hacer con lo que está en mi disponibilidad? Como una pieza de Luis Hernández que hice con lo que tengo disponible siempre, se me hace interesante como que esta idea de trabajar con esa disponibilidad y a veces pudiera parecer que trabajar con lo que tienes disponible es como una condición de precariedad, pero no solamente, no necesariamente, ¿no?, puede ser trabajar realmente con lo que tienes disponible y hay veces que tienes acceso a cosas que son bastante complejas o bastante difíciles de obtener, pero sucede que tú tienes el acceso. También recientemente, en una expo que tuve en Whittier, California, trabajé con un curador que terminó proponiendo, después de estar platicando lo que quería hacer, propuso el título de Sintetizar lo Supernatural, y me pareció interesante la idea de síntesis. Creo que es algo que ha sido constante en mi práctica. Trato como de tener varias ideas, procesos, conceptos y buscar cómo hacer síntesis quizá desde esta lógica como de juntar, destilar, sumar o a veces restar, como síntesis aditiva, síntesis sustractiva, diferentes tipos, pero al final de cuentas, ¿Cómo juntar o quitar cosas? Quizá mentalmente eso es como lo que pasa, ¿no? Entonces, no sé, como que a veces puedo, una pieza puede pasar, de estar pensando y como, digamos, masticando una idea por mucho tiempo y eventualmente resolverla medio rápido. O quizá también tiene que ver que no trabajo tanto desde una lógica como de estudio, como de estar produciendo así como en taller.

—Justo la siguiente pregunta va un poco ligada a eso, ¿hay alguna particularidad dentro de su proceso creativo que sea recurrente o necesario para llevar a cabo sus piezas con mayor enfoque, claridad o cuidado? Porque siento que algunos artistas son medio ritualísticos, ¿no? Que tienen sus procesos creativos ya como muy definidos o hacen ciertas cosas que ya se acomodan a su práctica pero que es necesario para que funcione.

Adrián Pereda: Me ayuda mucho el agendar un momento en el que voy a hacer algo y entonces empezar como a trabajar en función, o sea, trabajar en formato de proyectos, porque, quizá, contraste, creo que ahí entra también esta cuestión, inevitablemente habría que abordarla, digo, si te das cuenta que estamos aquí en la UABC, yo soy un artista que trabaja como profesor, que soy también padre de familia, ¿no? Entonces de repente como que esta cuestión de que realmente no me levanto y duró ocho horas en el estudio, sino que hago actividades, pienso mucho acá en la escuela en cosas y quizá eso también ha alimentado como que mi práctica como docente. Ha alimentado mi práctica artística, porque este ejercicio de estar como constantemente pensando las cosas, o estar aquí en la escuela, está más fácil que conciba ideas, que las piense, que las rebote, a que me ponga, digo, aquí no me voy a poner a trabajar físicamente con la pieza, ¿no? Entonces, sí, quizá eso tiene mucho que ver como que los momentos en los que realmente me pongo a producir tienen que ver con más bien, en los que sí requiere acomodar todo lo demás y entonces poder dedicar un tiempo a ponerme a producir propiamente, es un balance bastante difícil.

—Sí, justo, también como estudiantes tenemos que, bueno, yo sí divido como mi práctica artística también de estudiante y ya de artista como de lleno, o sea, son ejercicios en clase que luego pueden convertirse en piezas, ¿no? Pero pues, los tiempos a veces no dan.

Adrián Pereda: Creo que eso es lo principal, o sea, como lo que están viendo ustedes de que, tienes que cumplir con tus clases y todo, entonces de repente hay veces que tu tiempo no está destinado completamente a producir. Pero también entender que todos esos procesos de pensar las cosas son parte de tu producción, creo que también ayuda a conciliar un poquito ese estrés de pensar que no estás haciendo nada.

—Exacto, de sentirse productivo como artista también. La siguiente pregunta es, ¿quiénes consideraría son sus referentes intelectuales, ya sea como discursivos, artísticos, más importantes y cómo creen que se manifiestan en su trabajo?

Adrián Pereda: Me ha ayudado mucho a entender, cómo profundizar en conceptos que parecen como que no requerirían explicación. Por ejemplo, la idea de lo contemporáneo en el arte. Entonces, muchos pensadores que proponen maneras de entender lo contemporáneo, me ha ayudado también a entender un poco como es mi tiempo. Creo que digo en particular eso que como esta noción de contemporaneidad como desfasada del tiempo que propone Nietzsche. Quizá, vaya, sí tengo algunos autores o filósofos, filósofas que leo un poco más, pero me... Como que ciertos conceptos son los que me llaman. Por ejemplo, la idea del concepto de post-conceptual, las ideas que han tenido artistas conceptuales o conceptualistas y esto que pudiéramos también como denominarlo el arte post-conceptual, esa es como que yo creo que la corriente en la que he encontrado como más afinidad con la práctica que me ha ayudado a como tener este trazado de decir, bueno, pues ubicar que mi práctica quizá está en esa línea.

—Sí, va más direccionada a esas corrientes, vaya, tenemos influencias generales, ¿no? O sea, tanto discursivas como visuales, de manera directa y no directa.. Siento que nuestro archivo de influencias... que no es que sean como copias, ya están dentro de nuestro archivo en nuestra cabeza y que a veces se manifiesta o no, de manera más clara en nuestros proyectos.

Adrián Pereda: Sí, de hecho muchas, por ejemplo, te podría decir nombres de artistas y demás, pero más que se parezcan a lo que hago, creo que me ayuda mucho también seguir a DJs o personas que están constantemente haciendo ejercicios de selección musical. Porque a veces, también es como una práctica que en mi perspectiva se parece mucho a la práctica curatorial y también eso se me hace interesante como que ver el... A veces encontrar directamente a los artistas puede ser un poquito más complejo porque requeriría mucho más tiempo.

—¿Qué proyecto o obra representó un gran reto y posteriormente marcó un precedente tanto en su trayectoria artística como en su personal? Me podría comentar un poco de esa experiencia, de un proyecto general, obra que... Siempre lo va a tener muy presente.

Adrián Pereda: Ha habido retos de diferentes índoles, por ejemplo, una... Uno de mis proyectos más recientes, o de los más recientes, fue el que hice de grabaciones del tren, se llama Faro Sonoro. El reto fue que requería, o sea, que muchos factores no dependieran de mí. Era como ir y grabar sonidos del tren en diferentes puntos de la ciudad. pero requería siempre estar listo para grabar, no siempre el lugar en el que estaba y escuchaba. O sea, una cosa es que tu oído lo escuche y otra cosa es que la grabadora lo escuche. O que de repente la grabadora escuchaba más el sonido cercano que lo que estaba allá, aunque yo lo podía oír. Y también salir en horarios en la madrugada, muy temprano, para buscar... digamos cazar los sonidos y eso fue algo complejo porque a diferencia de otros proyectos que yo podría hacer por ejemplo en mi casa o en mi espacio de trabajo o algo así como que esto requería estar allá afuera entonces ese quizá fue un reto para mí en cuanto no tanto técnicamente sino como de literal encontrar maneras de cómo documentar ese sonido para luego poderlo estar modificando, ¿no? Y... sí, ese fue uno de los retos más recientes. Ha habido otros proyectos como el de... Por ejemplo, una vez hice unas cajas de acrílico para sostener unas esculturas y fue aprender a doblar acrílico. Claro, con un amigo que es diseñador industrial y eso. Pero de repente como que esto de tratar de hacer cosas nuevas, de procesos que no conozco, usualmente tiene estas complicaciones, ¿no? Pues de no dominarlo, pero también lo hace más entretenido.

—Sí, como ir resolviendo sobre la marcha, siento que luego tenemos intereses que queremos abordar en técnicas que quizás no manejamos tanto, pero lo queremos resolver y ya en la marcha es de que, bueno, ¿por qué me hice esto a mí mismo, no? Pero pues ya que está el resultado final, siento que sí es un gran orgullo de que lo pude hacer a pesar que tenía todo en mi contra, por así decirlo.

Adrian Pereda: Ajá. Y eso creo que es algo que en el momento puede ser estresante, pero cuando ves el resultado final, dices, vaya, qué chido, porque te acuerdas también de tu experiencia, cómo hiciste cosas y demás. Entonces, sí, pero creo que también está para darle luego, me gusta en cada proyecto tener cuando menos algún porcentaje de reto, de algo que me lleve, porque eso, si no siento como que me aburro y siento que ya nomás estoy repitiendo.

—Ok, justo abordando también de proyectos en los que ha tenido una participación y activación ejemplo formando parte del proyecto i21, así como el tiempo donde estaba activo el espacio del Tianguis del Caballito, contribuyendo tanto en curaduría, obra y museografía del espacio. ¿Qué propuestas y encuentros se formaron desde esa colaboración con artistas diversos y cómo observa el enfoque, obra y propuestas de los artistas tanto de Mexicali y de otros lugares?

Adrián Pereda: Yo estaba trabajando en el local de tenis de i21 en el tianguis del Caballito, usándolo como un estudio para producir una obra que era muy grande. Y al estar ahí, habitando el espacio, me dí cuenta que por diferentes situaciones no era el mejor lugar para trabajar como un estudio, sin embargo funcionaba como un lugar donde de visibilidad de lo que se estaba trabajando porque toda la gente pasaba y se quedaba viendo lo que estaba pintando y así entonces ahí como que como que digamos que se me ocurrió o pensé en la posibilidad de que ese espacio funcionaría mejor como espacio de exhibición.

Y fue cuando empecé a diseñarlo, ¿no? De esa manera. Y ahí la particularidad era que la propuesta era que no fueran obra que ya existía, sino como que se hicieran instalaciones de sitio específico para el espacio. Entonces, de alguna manera fue como... Proponer como las reglas del juego para que artistas vinieran e hicieran algo que no habían hecho. Entonces de repente era algo que quizá ya habían considerado hacer, pero no específicamente como en esas condiciones, con ese público, con esas dimensiones. Y lo que estuvo muy interesante fue que los resultados eran... muy variados, pero también se fue generando, creo que una, al menos directamente conmigo, se generó una red de colaboraciones, de amistades inclusive. Muchas de esas personas hasta la fecha seguimos trabajando juntos, ¿no? Y entonces eso se me hizo muy interesante como las relaciones humanas que se construyeron a través de eso.

Pero aparte también el que se posibilitó que se presentaran como instalaciones específicamente en un momento en el que si bien había varios espacios independientes y también había espacios institucionales y demás me pareció que había una necesidad de que no había un espacio como que donde lo primordial fuera hacer instalaciones y que aparte que fueran como proyectos individuales y entonces, muchos de los ejercicios que se vieron, pues hasta, o sea, tanto quienes eran de aquí como de fuera, como que traían su práctica, pero al mismo tiempo era como pasar por una suerte de portal en la que, pues, o entrar en un terreno donde las reglas cambiaban un poquito. Creo que varios de esos proyectos quizá no se hubieran... O no tendrían el mismo sentido si se presentaran fuera, inclusive del propio... Por estar en el Caballito y estar situados. Y ya cuando, de hecho, cuando he continuado con el proyecto fuera del Caballito, justo ha sido la pregunta. O sea, ¿qué es lo que permanece siendo y i21 si i21 ya no está en el Caballito? Entonces, al principio fue en línea porque era cuando estaba la pandemia, pero eventualmente fue bueno, quizá decir, lo que continúa es el formato de proyecto, el hacer un anclaje al sitio en el que se presenta o a las condiciones contextuales en las que estamos. Y... no sé, ya pienso que es más sencillo.

Básicamente, i21 ha sido como una suerte de plataforma que me ha permitido tener colaboraciones con artistas como artista y entonces ha sido un proceso bien interesante porque he podido como también aprender de los procesos de muchos artistas con una cercanía que quizá no tendría si fuera como un proyecto más bien de exhibición ya de obra terminada que se vuelve mucho más de gestión que un acompañamiento no solo curatorial sino casi como un acompañamiento artístico y ha estado, ha sido muy enriquecedor.

—Por otro lado, la otra mitad de la pregunta era que ¿cómo observaba el enfoque, obra y propuestas de los artistas, tanto de Mexicali como de qué han pasado por el proyecto?

Adrián Pereda: Algo que justo por mucho tiempo he tenido conversaciones con Alejandro Espinoza, sobre esto es que hablando de Mexicali en lo particular creo que hay una como beta hay una tradición de artistas con ciertos giros conceptuales que pudiera pasar un poco desapercibida porque a veces ha tenido mucha más visibilidad, bueno, no solo la visibilidad, sino que aparte también se ha documentado, se ha registrado y se han expresado más como... Principalmente, por ejemplo, los artistas pioneros, esta generación de pintores que muchos de hecho venían de fuera, algunos de acá y otros de fuera, pero esta generación de artistas que tenían una obra plástica, como de estudio, que podría ser... Y esta otra tradición de arte o de artistas con una práctica un poco más orientada hacia lo conceptual, al menos en mi caso, la mayoría de las veces ha sido como de boca en boca o de anecdótico. Ah, es que una vez alguien hizo esta obra y estas cosas. Entonces sí ha habido artistas, quizá no desde los mismos tiempos de los artistas pioneros, pero en otras generaciones. Pero luego también ha entrado esta cuestión de la falta de documentación, ¿no? Entonces, ahorita, por ejemplo, trabajar con estos, en este proyecto de i21, con muchos artistas de Mexicali, que a veces quizá conocemos o cuando menos hemos escuchado cómo de estas betas, decir, oye, esto también es posible. Y entonces cuando vienen artistas de fuera, por ejemplo, como en este caso, Tijuana, San Diego, han venido artistas de Guadalajara. Actualmente estamos trabajando con un proyecto de Mexicali de Torreón, bueno, de La Laguna. Sí creo que se ha acentuado más este carácter de la beta conceptual, ¿no? Entonces no es... no es necesariamente una cuestión, o eso quizás algo que falta como profundizar y estudiar más, es uno de los tópicos que me interesa estudiar más desde esta perspectiva académica, como que, como artistas, inclusive lo vemos de repente ahora con estudiantes, gente de su generación, que de repente también, como que cuando les decimos que oye, esto también es opción, siento que se les abre una posibilidad de decir, oye, qué chido que esto también es posible, ¿no? Si nos han dicho así como que otros profes o personas que han estado en otras partes, como que sí acentuamos un poquito esa parte. No todos los profesores, no todos los artistas, pero sí hay un grupo de artistas que traemos esa línea, ¿no? Entonces, pues quizá yo... O sea, al principio eso que pensaba que era como muy abierto, en realidad creo que era un sector muy específico del arte por aquí.

—Sí, justo investigando del proyecto i21 también, ni siquiera había revisado con detenimiento el archivo y leí inclusive trabajo del profe Espinoza, ¿no? de Alejandro y de otros artistas que también abordaban cosas más conceptuales y me dí cuenta que esto tenía más tiempo de lo que yo sabía, y que si había un pilar del que se sabe muy poco y que siento que se está activando poco a poco aquí y pues me da gusto que no se olvide completamente, pero pues si es bueno que haya un archivo de documentación, que esto y que sea un precedente para artistas como nosotros que estamos entrando también en estas prácticas y sí creo que es importante no olvidar quién, básicamente quién nos precedió a esto. Creo que también el profe Alejandro ha representado una influencia en mi trabajo, en la forma que escribo, como lo que abordo. Y también justo en su clase que tuvimos de arte conceptual, que siento que sí, me hizo como click en la cabeza, muchas cosas de ver como, pues sí, una perspectiva distinta, como es descomponer palabras, conceptos, no ver todo tan literal, y saber que no tengo que explicar siempre todo, que se quede un poco al aire.

Adrián Pereda: ¿Sabes qué? Lo que me hizo bien...bien loco y esto fue como: Viendo este rollo, por ejemplo, de cómo ser las divisiones del arte, los conceptos del arte, cómo se entendía, lo que entraba, lo que no, y que si de repente se iba para un lado o para el otro, a veces esta idea de que lo conceptual es como algo nuevo, o reciente en realidad, ¿no? O sea, si nos vamos para atrás... siempre ha habido estas discusiones como si poner más el peso en el proceso de hacer la cosa o en el proceso de pensarla y quizá esta parte de pensar menos como algo peleado o como bandos sino decir bueno por eso me gustó la idea de lo o he encontrado afinidad más que me gustó, he encontrado afinidad con la idea de lo post conceptual, porque lo post conceptual implica que todos los aportes del arte conceptual, sin embargo, también concilia esta posibilidad de este trabajo manual y demás. Entonces, como que las dos pudieran estar interactuando entre sí. Y sí, eso, creo que aquí hay esa tradición, quizá lo complejo es que estas propuestas podrían ser si no, a veces dependen mucho de cómo de alguna suerte de beca o alguna suerte de otras cosas, porque también está esta cuestión de cómo hacer el sustento económico para hacer sostenible este tipo de prácticas y no es tan sencillo, digamos como una práctica en quizá pintura o anclado medio más tradicional.

—Para concluir, bueno, son varias preguntas pero que van conectadas, iré preguntando una por una.. Mirándose adelante, ¿hay algo que esté investigando o que esté abordando actualmente?

Adrián Pereda: Sí, bueno, recientemente ha surgido o he encontrado afinidad con el concepto de Epifenómenos. Esta idea de que los epifenómenos son... como fenómenos secundarios, podríamos decir, que suceden cuando está sucediendo un fenómeno principal. Por ejemplo, el hecho de estar dibujando produce sonidos, produce aromas y produce otras cosas que no son... Vaya que el acto de dibujar, la razón de dibujar no necesariamente es producir sonido o producir ese aroma quizá a la hora de sacar punta que huele un poquito a madera y así. Pero esos fenómenos que acompañan a la situación, al percatarse que esos fenómenos están sucediendo, puedes como ahora acentuar la atención o dirigirla hacia ese fenómeno y volverlo como el fenómeno principal. Y eso se me ha hecho bien interesante como una estrategia para cómo estar siempre al tanto de cosas que se nos pueden estar escapando. Como a veces, como en esta búsqueda de qué hacer o cómo expandir la práctica o cómo hacer algo, cómo meter ese porcentaje de dificultad que hablábamos, pues entonces también se vuelve como una estrategia permanente de exploración, ¿qué estoy haciendo ahorita? O más bien, ¿qué está pasando con lo que estoy haciendo ahorita? Que quizá no le estoy poniendo atención y podría ser un... Como cuando tienes algo así que lo sientes, lo tienes aquí.

—¿Si no? En la lengua, y que no se escape esa idea, ¿no? Sí, siento que es muy importante también siempre tener presentes estas ideas. Justo alguna vez escuché que David Lynch dijo algo que lo peor que te puede pasar es olvidar una idea, intentar recordarla y perderla es como que...

Adrián Pereda: Oh, sí, no anotarla, sí, justo. Aunque sea para recordarte, ah, no, no era buena idea, pero... Pero quién sabe, luego quizá llegue esto de las ideas... O sea, también mucho del, si no es que la mayoría, para no decir todas las ideas, pues no son nuestras. A veces vienen porque conociste a alguien. O me ha pasado inclusive a veces pensar que estoy pensando en algo y después caigo en cuenta de que, oye, pues esto lo estoy pensando porque lo platiqué con tal persona. Y tener esa conciencia de esto ,como este constante sentido de, bueno, no de alerta, pero que no menos de apertura perceptiva de decir, oye, pues, ¿qué cosas estoy absorbiendo o está pasando a través de mí? Y que me hacen sentido, que me producen como, ajá.

—Sí, justo de esta parte, arrastrando la otra idea de, consecuentemente, algo que le gustaría tratar en un futuro o algún medio que le gustaría abordar, porque justo también sé que hace música, entonces algo que tenga en mente que le gustaría de...algún día en mi práctica quiero abordarlo.

Adrián Pereda: Algo que definitivamente estoy decantando mi práctica mucho más en esa dirección es la música, el arte sonoro, el diseño sonoro y algo que ahorita estoy trabajando justo ahora es una próxima exhibición para Planta libre. Y es como... ¿Cómo llevar, por ejemplo, eso... Hablando, por ejemplo, del proyecto de Faro Sonoro, fue esa primera etapa de ir y documentar y luego hacerlo, pero al final de cuentas termina como un archivo digital. Pero ahora, para poder presentar esa pieza en un espacio de exhibición, que ya también tuve la exhibición pasada que tuve, que fue en Whittier, fue también presentar piezas sonoras y visuales y de video en un contexto de exhibición. Entonces, de repente... hacer ese como como transferencia digamos o ese ese intercambio que va algo que está operando con una cierta lógica y llevarlo al espacio de exhibición, que es otra vez el arte instalación regresa, como ahora de estar jugando bajo las reglas como de la composición electrónica con medios digitales para hacer el ensamblaje de la pieza y ahora llevarlo en su presencia física material o sea cómo va a sonar en ese lugar la pieza, cómo puede ser escuchado, porque cada persona que entra escucha de manera diferente, no sólo en términos acústicos, sino inclusive psicológicos, escuchas con toda la carga de signos que traes, entonces también como que se me hace interesante que este proceso entre definir qué tanto... O también como decías esto de los procesos de documentación. En qué tanto revelar y qué tanto también... No ocultar, pero cuando menos decir, ¿sabes? O sea, no mostrar todo el detrás de cámaras, ¿no? O sea, sino como en realidad cuando estás haciendo la toma, qué es lo que va allá adentro y qué es lo que... Lo que no es... No es necesario como mostrar. Y ese proceso como de... Vaya, llevar el sonido cada vez más a la arte-instalación, ¿no?, arte sonoro en el contexto del arte-instalación, creo que esa es la dirección en la que de momento me interesa.

—Justo, bueno, como la última pregunta, ¿hacia dónde cree que se dirige su práctica futura? O sea, me comentaba de la música, dirigiendo más su práctica actual en el arte sonoro e instalaciones futuras, pero también otro medio que le gustaría tratar en su práctica, abordar próximamente o en un futuro.

Adrián Pereda: Quizá también incluir más video, que de hecho lo hice también en esta exhibición anterior que tuve y sí fue... También estoy trabajando con el video como otro formato que... Que no necesariamente, o sea, puede o no estar vinculado al sonido Pero a la hora de tenerlo en el espacio... necesariamente lo ves como un conjunto, entonces creo que esa es una parte que me gustaría como que también continuar explorando, involucrar la parte de estas tecnologías en especial como desde esta lógica.Y quizá también el encontrar diversas formas también de hacer como colaboraciones. Ya como colaboraciones de producción que he tenido, en su momento tuve como un colectivo, era como una suerte de... proyecto... donde éramos varias personas, empezamos dos y al final éramos tres y era como hacer presentaciones performáticas de video y sonido en tiempo real y eso creo que también fue muy divertido en ese tiempo porque como que encontrar a alguien con quien puedas como hacer una parte y como que saber que puedes confiar en que la otra persona se está encargando del otro cacho. No digo que toda mi práctica sea así. Porque es diferente cómo concebir un proyecto e invitar a gente a que resuelva partes de eso. Pero eso lo veo... Eso es diferente, ¿no? Aquí lo que me refiero como... cómo hacer colaboraciones, pero a un nivel horizontal, ¿no? Es decir, sabes que, o sea, estamos en la misma posición, no hay como, no soy, no necesariamente yo, porque, porque sí suelo hacer como cuando hago exposiciones, instalaciones, así, trabajar con, tengo como varias personas con las que suelo trabajar, partes, ¿no? Desde lo material o diferentes partes del proceso, pero al final de cuentas soy como quien, digamos, yo quien dirige, ¿no? Pero ya tener también poder encontrar en su momento otras personas con las cuales poder colaborar a nivel parejo, eso sí, creo que sería muy interesante volver a explorar eso.

—Sí, justo creo que encontrar también personas que conecten como con lo que queremos, con la visión que traemos, y que estén dispuestos, ¿no? Como de, pues tú tienes conocimiento de este campo, yo tengo conocimiento de esta cosa. Y nos vamos a trabajar y aprendemos también de unos y de los otros, quizás yo no me meto tanto en tu campo si no sé exactamente, pero pues igual aprendemos del uno y del otro y colaboramos para que esta idea se haga más grande. He notado más activación colaborativa de artistas por lo menos aquí en Mexicali y pues me gustaría como que así continuará, que fuera más multidisciplinario, transdisciplinario si fuera posible también, de que otros medios inclusive no sé carreras, nosotros como artistas visuales pudiéramos colaborar, con personas de cinematografía, cosas por el estilo, ¿no? Este intercambio de conocimiento también, que siento que sí es necesario y también alimenta nuestras prácticas

Adrián Pereda: Totalmente, y ahorita, por ejemplo, como dices, aquí que tenemos personas especializándose en medios visuales, o en cine, danza, animación. Y eso es hablar específicamente de la facultad, ¿no? Pero, o sea, sí también hay otras personas en otros campos como también súper enfocadísimas en su área, entonces, de repente encontrar estas maneras de hacer cosas, vaya, de repente, cuando el tiempo es limitado, volverte experta o experto en muchas cosas es cada vez de menos tiempo, ¿no? Entonces, quizás decir, sabes qué, mira, yo me enfoco en mi área y eso... O sea, decir, bueno, puedo entender lo suficiente de otra área como para poder hablar los códigos de ese campo, pero... también soltar un poco esa parte de decir, sabes que tú haces de aquí a allá, allá te toca y confío en ti y yo le doy para acá. Y eso creo que también es, pues también es hasta es necesario.

—Sí, sí, también delegar responsabilidades. En un proyecto es de yo me encargo de esta parte, tú te encargas de esta parte, nos reunimos, vamos viendo sobre la marcha, pero pues si justo me da gusto ver que se están iniciando otros proyectos, pues siento que antes cuando recién entré a estudiar artes no había tanta activación de galerías, espacios nuevos o proyectos colaborativos, ¿no? Como ahorita La Casita, y también veo la galería Tres Ojos y Planta Libre, que están sumamente activos. Y también me da mucho gusto ver como también profesores a la par siguen siendo artistas, porque no solo son docentes, son padres, son artistas. Entonces, yo sé que es muy, muy complicado, pero me da muchísima motivación cuando veo que tienen sus exhibiciones. Justo cuando ví que colaboró con el profe Héctor Bazaca, esta integración, sus prácticas y resultados en espacios fuera de la escuela.

Adrián Pereda: Y la verdad es que también somos y tenemos la fortuna de tener como una suerte de termómetro de lo que está pasando ahorita con estas nuevas generaciones, quizás conocerte a ti con certeza y a muchos compañeros y compañeros pues si no fuera porque estuviéramos aquí probablemente no tendríamos esa cercanía, por estar en este contexto. Yo creo que lo que sigue o sea lo que sea que viene tiene necesariamente, si no depender completamente, cuando menos tienen que estar... O sea, ustedes, tu generación, las generaciones, ustedes tienen que estar. A mí se me hace importante no hacer un rollo como de bloqueo generacional, sino al contrario. Si sabes, va a haber muchas cosas que van a pasar con ustedes que son necesarias para... Y quizá va a llegar un momento en que... Que también a nosotros nos pegue como la referencia de decir, bueno, pues ya hay cosas que quizá no compartamos mucho de otra nueva generación, pero los proyectos que salgan de su generación quizá son los que van a permitir que esto que siga y que las generaciones más chicas quizá tengan más afinidad con ustedes. Básicamente hay que romper esa inercia que ha habido de no conocer lo que estaba pasando antes, a veces muy, muy poquito antes.

—Sí, justo porque yo decía, aquí qué precedentes hay de arte conceptual o de otros artistas, ¿no? Ya viendo el archivo de las personas y la comunidad, justo luego que en clase comentábamos, de espacios que ya no están vigentes pero que fueron un precedente, digo, pues es que sí hay, simplemente es como que no se tiene una documentación tan tangible de estos espacios o momentos entonces creo que también es un tema que me interesa, el colaborar no sólo con artistas de mi generación sino de otros y lo que pueda aprender, podamos traer otras perspectivas, o sea, desde su enfoque y del nuestro. Se pueden lograr buenas aportaciones y colaboraciones, y que veo necesarias también. Porque yo también estoy de acuerdo en eso, de dividirnos por generaciones, de nosotros con nosotros y ustedes con ustedes. Es como, también por eso estudiamos y venimos a la escuela y escuchamos a nuestros maestros, tomamos referencias, consejos y aplicarlos a nuestras prácticas. Entonces es de gran importancia

Adrián Pereda: Y luego también, a mí me ha tocado a veces que, claro, les digo, a ver, por favor, explíquenme tal cosa. O sea, son cosas que no las vas a encontrar en un artículo o en un libro, sino que de repente, como que cosas que están tan vivas que apenas ustedes que están viviéndolo. Todo el conocimiento siempre está flotando y compartiéndose y... creo que también esa idea de entendernos que no necesariamente es como este rollo de que un árbol genealógico familiar, pero que sí somos como una suerte de red en la que, por estar vinculados a este territorio y no solo territorio, sino a las personas que lo habitan también pues también necesariamente va a haber este rebote y vas a ver esta influencia de decirte que lo que tú estás haciendo tiene ecos, de lo que nosotros estamos haciendo. Siento que es algo que puede influir mucho también en quienes estamos haciendo arte aquí y también quienes no están haciendo arte, pero que puedan ver lo que estamos haciendo y también, pues ya sea que lo entiendan o no lo entiendan, eso quizá importa mucho menos que cuando menos que digan, órale, aquí sí hay arte, ¿no?, que sí está pasando esto y que se pueden acercar, que pueden preguntar o puede gustarle o pueden volverse súper fans o pueden meterse al campo... Pero cuando menos decir si están ahí y no están hechos bolas, ¿no? Estamos haciendo algo, ¿no? Nos estamos moviendo.